“Kevin Putts”horas,” que tuvo su estreno en el Metropolitan Opera la temporada pasada y regresa para su primera reposición el domingo, es aún más hermoso de lo que recuerdo.

A menudo, en partituras sublimes, las cuerdas palpitan y los instrumentos de viento aletean. Cuando Puts pasa a los instrumentos rítmicos, elige instrumentos melódicos (glockenspiel, crotales, carillones, vibráfonos) y los combina brillantemente. Los instrumentos de viento de madera en la parte superior del Acto II son prácticamente wagnerianos en su extraordinaria grandeza. Las melodiosas cuerdas del piano suenan solas. Las ondas musicales están llenas de nostalgia. Las líneas melodiosas resaltan el amor y la comprensión de la voz humana.

Pero cuando el escenario está lleno de distracciones es fácil pasar por alto las diversas bellezas de la partitura. La producción de Felim McDermott en el Met está llena de bailarines extravagantes y artistas etéreos. En un momento, la coreógrafa Anne-B Parsons lo hizo girar sosteniendo almohadas mientras un personaje contemplaba suicidarse en una habitación de hotel. Para aumentar el compromiso, Poots presenta al coro como un narrador colectivo y omnisciente y las voces internas de los personajes. Como herramienta, no funciona; Si bien la historia conecta profundamente la vida emocional de las tres mujeres, el coro viola su conexión con la audiencia.

Es casi como si los poetas y McDermott tuvieran miedo de mirar constantemente a sus heroínas o no confiaran en la atención del público. Esto es especialmente desconcertante ya que tienen tres protagonistas del orden de Renée Fleming, Kelli O’Hara y Joyce DiDonato, quienes repitieron sus papeles el domingo. Cuando el escenario estaba libre de obstáculos, su poder estelar era deslumbrante.

Como Virginia Woolf, DiDonato era una presencia magistral e inquietante. Su voz, profunda, melodiosa y estridente, comunicaba las profundidades intelectuales de Woolf y sus demonios personales; Tenía la perspicacia y la moderación de un novelista en la cima de sus poderes que ocultaba sus pensamientos suicidas a los demás. Como Laura, O’Hara cantó con una fina voz cristalina y, aunque su timbre era un poco más borroso que antes, encarnaba los delicados nervios y el ansioso autodesprecio de Laura. La forma general de la voz de Fleming permaneció increíblemente juvenil en su cremosa redondez. Su Clarissa era patricia pero superficial, aunque el libreto tiene parte de culpa, ya que todas las demás palabras son “flor” o “fiesta”.

“The Hours” está basada en la novela homónima ganadora del Premio Pulitzer de Michael Cunningham y la adaptación cinematográfica de 2002 de Stephen Daldry. Pero la ópera puede ser demasiado fiel a sus fuentes (y demasiado asombrada por el genio de Woolf). Aquí se ha dado una importancia innecesaria a los momentos pasajeros del libro. La escena de la florería, con sus escritos en coloratura y sus alusiones elogiosas a “Die Zauberflöte” de Mozart, el papel del Hombre bajo el arco, el coro omnisciente… todo esto podría eliminarse fácilmente. De paso, los bailarines también pueden perderse en la puesta en escena.

Cuando Poots y Greg Pierce, libretistas, se alejan del literalismo y abrazan las ventajas específicas de la ópera como medio, la obra se dispara. Entretejer las tribulaciones personales de Laura y Virginia en un dueto a través del tiempo y el espacio, uniéndose más fácilmente aquí que en los libros o las películas, crea una empatía que el público siente incluso si ninguno de los dos puede sentirla. Aquí, como en otros lugares del domingo, la orquesta actuó con asombrosa fluidez, tamaño y carácter bajo la batuta de Kensho Watanabe.

Está claro que Poots preparó papeles principales para cada una de las tres mujeres. Incluso en los momentos más sinceros de diálogo cantado, sus voces conservaban una hermosa gracia. Sin embargo, en el extremo superior de su rango, la voz de O’Hara era tensa y la voz de DiDonato temblaba incómodamente, y era difícil escuchar a Fleming a menos que la orquestación se hiciera más fina.

A pesar de la gran atención que se presta a las mujeres, es en realidad el poeta Richard, moribundo de SIDA y harto de su vida, quien da tragedia a la pieza. El bajo barítono Kyle Kettleson cantó con una hermosa voz profunda y actuó con un tono sarcástico que fue decepcionante.

En los momentos finales de la ópera, las mujeres se reúnen tras la muerte de Richard. “Este es el mundo y en él se vive”, cantan con compasiva sencillez. La ética es la bondad, la idea de que somos suficientes. Si tan solo esta hermosa pieza hubiera seguido sus propios consejos.

horas

En el Metropolitan Opera, Manhattan, hasta el 31 de mayo; Metopera.org,

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