La muerte de la anciana influencer Iris Apfel, cuyo distintivo sentido del estilo personal la convirtió en una estrella de la moda cuando tenía casi 80 años, ocurrida en medio de la Semana de la Moda de París, fue impactante y extrañamente apropiada. Todas las apreciaciones de su vida y su ropa han sido un recordatorio de cómo todo este circo gira en torno al arte de vestir y cómo la ropa puede ser una interfaz con el mundo de la manera más expresiva y original.

Estuve pensando mucho en ello durante el fin de semana, en parte debido a los diseñadores aquí que, como Apfel, han construido imperios (o al menos pequeños feudos) gracias a su voluntad de seguir su propio camino: Rick Owens, Yohji Yamamoto. Diseñadores que tienen un profundo conocimiento de las reglas y la historia de la moda y una capacidad igualmente poderosa para reescribir ambas e imaginar un mundo diferente. Cuyo uniforme puede parecer extraño y escandaloso, pero que crea una sensación de posibilidad emocionante: la ropa es como un permiso para entrar y pensar fuera de lo común.

Y también porque en el debut de Sean McGirr en Alexander McQueen, una casa que alguna vez hizo todo lo anterior se había distorsionado mucho.

McGirr tuvo la compleja tarea de reemplazar a Sarah Burton, la suplente de McQueen durante mucho tiempo, quien estabilizó la marca después del suicidio del diseñador en 2010 y la hizo suya, aportando un toque de romance enojado y gracia creciente. La imaginación que recorrió cielo y tierra y que, combinada con un gran dominio técnico, definió el nombre McQueen.

En otras palabras, el Sr. McGirr es el primer diseñador que lidera una marca sin ningún vínculo especial, y se nota. En una vista previa, habló con entusiasmo sobre la colección de primavera de 1995 del Sr. McQueen, The Byrds, así como sobre el East End de Londres, Rough Ages y Rebels, pero el resultado parecía una versión de baile de McQueen en TikTok. Tenía energía, pero no profundidad.

Había algo de sastrería elegante: trajes de pantalón ajustados cubiertos con trozos rotos de azabache y chalecos de piel de oveja reventando desde el interior. Los pantalones de cuero estaban rematados con suéteres gigantes que parecían tragarse a las modelos enteras. Un vestido sin mangas cubierto de vidrios rotos, inspirado en la pantalla rota del teléfono celular del Sr. McGirr. Algunos minidisfraces de acero fundido, como el chasis de un automóvil portátil (olvídese de los asientos).

Los zapatos de armadillo del Sr. McQueen tenían pezuñas como zapatos, a veces con pequeñas colas en la parte trasera. También bolsas para zapatos: tacones de aguja dentro del propio bolso. Las modelos caminaban con la frente inclinada hacia adelante, imitando un pisotón furioso. Pero este no era el tipo de ropa que te inspiraría a enfrentar un desafío.

Para ser justos, este podría haber sido el edicto del Sr. McGirr: ¡Mantenlo joven! ¡Hazlo más accesible! ¡Hazlo más cada día! Ése parece ser el mantra de los ejecutivos en estos días por temor a una recesión en el sector del lujo. El problema es que la comodidad nunca ha sido el objetivo de McQueen; Ha sido todo lo contrario.

En el avance, McGirr dijo que el primer desfile de McQueen que recuerda fue Voss, la colección de primavera de 2001 que presentaba modelos atrapadas en sanatorios transparentes, con vestidos hechos de plumas y conchas de ostras, observando en silencio mientras el público observaba. , “Creo que cuando vi a Voss pensé: ‘Oh, realmente está tratando de decir algo'”, dijo McGirr. “Porque obviamente McQueen, la ropa siempre tiene un mensaje. Debería estar aquí.”

él estaba en lo correcto. Sin embargo, si tal mensaje existía en esta colección, era imposible identificarlo. Tal vez la próxima vez.

En cualquier caso, cuando se trata de visiones singulares, pocas han sido tan claras u originales como Rick Owens, cuya gran visión combina las ambiciones épicas y el glamour de Cecil B. DeMille con un toque de rareza y sexo sucio de Marte. que ofrece promesa. De un futuro mejor para los aislados y excluidos. Sin embargo, lo más extraño de su colección de esta temporada, que se mostró en su casa/sede en el corazón del establishment francés detrás de la Assemblée Nationale, fue que era absolutamente ponible.

La silueta característica de Owens todavía estaba allí: bulbosa en la parte superior, demacrada en el medio, baja hasta el suelo, en lo que el diseñador, detrás del escenario, llamó sus botas lunares piramidales, por lo que el cuerpo parecía un trozo de caramelo estirado entre dos postes. Entonces estaba el extremo: ropa hecha con rollos de cuerda. Pero también había vestidos acanalados tejidos al bies, como el vestido cinematográfico más cómodo y la elaborada capa de Maid Marian; Incluso ponchos con la palabra “Porterville”, la ciudad del centro de California donde Owens creció y de donde escapó, estaban esparcidos por el frente. ¡Poncho! ¿Qué?

“Ahora no es el momento para fuegos artificiales y bombas de humo”, dijo Owens antes del espectáculo. “Ahora es el momento de que todos se unan y se conecten”. En lugar de bombardeos, ofreció bálsamo, pero sin recurrir a la normalidad.

Esto también se aplica a Yohji Yamamoto, uno de los grandes diseñadores de nuestro tiempo, que se ha mantenido fiel a su compleja y detallada exploración de la historia y las emociones, incluso cuando éstas entraban y salían de la moda. En esto es como su amigo Azzedine Alaia y como Alaia, cuya decidida búsqueda de su propia estética lo llevó a ser primero rechazado y luego redescubierto como una especie de gurú antes de su muerte en 2017. Las razones de Yamamoto son una cuenta.

Es el último gran romántico de la moda, y lo que hace que su trabajo sea extraordinario es que, si bien se mueve a través del tiempo y los contextos, sumergiéndose en una época aquí, otra allá, también los transforma, los convierte en una especie de tira de Mobius de todos los diseñadores. . propio.

Esta temporada significó que la geometría de Brancusi y los trajes eduardianos se transformaran en reveladores movimientos tipo origami de orquídeas, una combinación que surgió de una forma diferente en Junya Watanabe. Ofrecieron una especie de conjunto de esculturas, chaquetas de motociclista y papel tapiz floral en el que las matemáticas se encuentran con lo burgués que, como el trabajo de Yamamoto, suma algo mucho más grande que la suma de sus partes. Un abrigo negro colgaba de un cinturón de motociclista con tachuelas que parecía un estandarte heráldico o una faja de Miss Universo, como si una mofeta hubiera asaltado no sólo el gallinero, sino también el santuario interior.

No es insignificante que el Sr. Owens y el Sr. Yamamoto sean dos de los pocos diseñadores independientes que trabajan hoy en día: diseñadores que comenzaron sin nada bajo su propio nombre y construyeron su marca como mejor les pareció, llamándose a sí mismos como propios. puntos en desarrollo. Del lenguaje visual y físico.

Y eso hace que sea difícil no preguntarse qué pasaría si a alguien como McGirr se le permitiera diseñar bajo su propio nombre en lugar de que se le pidiera que desempeñara el papel de una leyenda.

¿Qué pasaría si un gran conglomerado como Kering, propietario de McQueen, invirtiera en preservar y revivir marcas antiguas y crear nuevas marcas en lugar de reinventarlas a través de diseñadores, pero no demasiado? – ¿Esto equivale a exigirles que empiecen a hablar en otros idiomas?

Crear marcas que puedan, en palabras del compositor Robert Fripp, ser “brillantes en la desviación”, como las deliciosamente extrañas creaciones de cine negro de Kei Ninomiya. Como muestra la Sra. Apfel, ella realmente puede tener el mejor aspecto de todos.



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